Atriz conta os desafios de viver a esposa de Rubens Paiva no filme que chegou aos cinemas de todo o país. Fernanda Torres estrela novo filme de Walter Salles, que deve concorrer ao Oscar.
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Uma família com cinco crianças e um cachorro. Uma casa igualmente grande, barulhenta e de frente para o mar. Um entra e sai de amigos, que se espalham por uma espaçosa mesa de jantar. Há muita música, dança e risadas.
O diretor Walter Salles constrói o castelo perfeito para derrubá-lo em seguida em Ainda estou aqui, filme que estreou na última quinta-feira (7) em todo o Brasil e representará o país na disputa pelas indicações ao Oscar.
A partir de uma tragédia real — o desparecimento do deputado Rubens Paiva pela ditadura militar, em 1971— o filme fala também sobre a impermanência da vida.
“E a vida é incrível, porque às vezes esses momentos de terrível dificuldade acabam formando seu caráter. E é o que eu acho que aconteceu com a Eunice”, diz a atriz Fernanda Torres à BBC News Brasil em uma entrevista por telefone, de Los Angeles.
No longa, Fernanda Torres vive Eunice Paiva, esposa de Rubens Paiva, que vê sua vida virar do avesso após o desaparecimento do marido.
O filme ainda conta com uma pequena participação de sua mãe, a atriz Fernanda Montenegro. Mas Fernanda Torres conta que, a princípio, essa participação era muito maior.
Era para a mãe viver Eunice nos últimos anos de sua vida, quando ela foi acometida pelas dificuldades advindas do Alzheimer.
“Mas mamãe disse que não faria, porque era um erro tirar uma atriz e colocar outra”, conta Fernanda Torres. “Por isso, eu fiz meio que no susto. Mas acho que dei conta.”
Mas no fim, as cenas que mostravam a vida de Eunice com a doença acabaram cortadas.
“Tinha uma cena fortíssima que é com a [atriz] Marjorie Estiano [que interpreta uma das filhas do casal, Eliana] levando a Eunice na cadeira de rodas para o Doi-CODI.”
Além de cuidar dos filhos sozinha e lutar para que a morte do marido fosse reconhecida, Eunice Paiva foi estudar direito e tornou-se a maior especialista em direito indígena no país naquela época.
O livro homônimo de Marcelo Rubens Paiva, que dá origem ao filme, descreve muito o drama daquela mulher independente que acaba acometida pela doença.
“O grande medo da Eunice era ficar dependente. Por isso, chega uma hora em que ela pede para ser interditada”, conta Fernanda.
“Isso é algo que toda família acaba lidando, se você tiver a sorte de viver muito. E só se aprende vivendo, você não consegue predizer, não é uma coisa do dia para a noite. É sutil.”
Com os cortes, Fernanda Montenegro acaba aparecendo na pele de Eunice, na cena final. Por isso, o filme também é o reencontro de Walter Salles com a atriz, quase 30 anos após as filmagens de Central do Brasil.
Aclamado pela crítica, o longa levou o Brasil ao tapete vermelho do Oscar, consagrando Fernanda Montenegro como a primeira mulher latino-americana a disputar uma estatueta por melhor atriz.
Mas ela acabou perdendo para Gwyneth Paltrow, de Shakespeare Apaixonado.
Selton Mello e Fernanda Torres protagonizam filme dirigido por Walter Salles.
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Agora, Ainda estou aqui pode levar novamente o Brasil a disputar uma inédita estatueta.
Premiado pelo roteiro no Festival de Veneza, o longa foi escolhido para representar o Brasil nas indicações para a disputa do Oscar, que serão conhecidas no dia 17 de janeiro de 2025.
A expectativa com a cerimônia, que ocorre no dia 2 de março, é alta. Mas para Fernanda, o mais importante é levar os brasileiros de volta às salas de cinema. “Eu adoraria que fosse um filme que trouxesse o público de volta para o cinema no Brasil”, diz.
“Na pandemia, todo mundo comprou uma TV imensa, então, para algo te tirar de casa e fazer você ir até o cinema, tem que ser algo que desperte curiosidade, uma certa urgência de ver.”
Segundo ela, Ainda estou aqui é um filme “sobre o Brasil e para o Brasil”.
“Você pode ser de esquerda, de direita, de centro, não importa, eu tenho certeza que vai te tocar em um lugar diferente, eu vi isso em todos os países por onde o filme passou.”
Em campanha pelos festivais e para que o filme chegue a disputar o Oscar, Fernanda passará o resto do mês de novembro em Los Angeles.
“Nos últimos cinco meses, eu devo ter passado cinco dias no Brasil”, conta.
“Ainda bem que meus filhos já estão grandes, porque senão não sei como seria.”
Assim como Eunice Paiva, que teve cinco filhos, a maternidade está muito presente na vida de Fernanda.
Ela teve dois filhos com o diretor Andrucha Waddington, que já tinha outros dois meninos quando eles se conheceram.
“Esse lado mãe da Eunice, eu tenho também”, diz.
“E Eunice lembra muito mamãe, por ter essa inteligência da mulher dos anos 70, que, de certa forma, eu acho que herdei também.”
No filme, Eunice acaba criando sozinha os cinco filhos, que ainda eram crianças quando o pai foi levado.
Em uma das cenas, ela é forçada a dizer que “mamãe não está triste” e enxugar as lágrimas quando é perguntada por uma das filhas por que ela estava triste.
“A mãe, de certa maneira, tem que dar uma segurada mesmo”, diz, para depois ponderar.
“Às vezes você sonha que seus filhos te ponham no colo, mas quando você tenta, acaba não dando muito certo (risos). Toda mãe já teve isso: você tenta chorar para que seu filho tenha pena de você, mas, geralmente, eles não têm, e eu acho que esse é o papel da mãe mesmo, estar ali para segurar.”
Essa muralha na qual Eunice se transforma é marcada o tempo todo no filme.
Em uma das cenas, ela ordena que os filhos sorriam em um retrato para a revista Manchete, enquanto o marido está desaparecido, depois que o repórter pede uma feição “triste”.
“Não adianta sentar na calçada e chorar, porque os deuses não terão pena de você”, resume Fernanda, sobre a energia vital de Eunice Paiva.
Caso de Rubens Paiva está parado no Supremo
A morte de Rubens Paiva foi reconhecida somente 40 anos depois dele ter sido assassinado pelos militares.
No entanto, até hoje os culpados pelo crime não foram responsabilizados.
Foi por meio de um trabalho de investigação realizado pela Comissão Nacional da Verdade (CNV), que apontou os suspeitos de terem participado do assassinato do deputado.
Com base no relatório da CNV, o Ministério Público Federal (MPF) denunciou, em 2014, cinco ex-integrantes do sistema de repressão da ditadura militar pelo assassinato e ocultação do cadáver do deputado: José Antonio Nogueira Belham, Rubens Paim Sampaio, Jurandyr Ochsendorf e Souza, Jacy Ochsendorf e Souza e Raymundo Ronaldo Campos.
As acusações incluíam homicídio doloso, ocultação de cadáver, associação criminosa armada e fraude processual.
A Justiça Federal do Rio de Janeiro aceitou a denúncia, que foi posteriormente confirmada pelo Tribunal Regional da 2ª Região.
Mas a defesa dos réus pediu um habeas corpus, negado pelo Tribunal Regional Federal. O caso chegou então ao Supremo Tribunal Federal (STF), que, por meio do ministro Teori Zavascki, concedeu uma liminar em 2014, paralisando o processo.
O ministro Alexandre de Moraes herdou os processos pendentes de Zavascki após a sua morte em 2017 em decorrência de um acidente de avião. Após seis anos sem movimentação, no mês passado Moraes pediu que a Procuradoria Geral da República se manifeste sobre o caso.
Dos cinco militares acusados pelo crime, três já morreram.
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Os pais escolheram descobrir o sexo da criança apenas durante o parto. Laura Neiva e Chay Suede
Webert Belicio/ Agnews
A terceira filha de Chay Suede e Laura Neiva nasceu na última sexta-feira (8), e neste domingo (10) os pais aproveitaram para postar as primeiras fotos com a bebê, que se chama Ana.
Eles usaram o Instagram para anunciar a chegada da filha, veja as fotos abaixo:
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Chay e Laura são pais de outras duas crianças: Maria, de 4 anos, e José, com 2 anos. A chegada da terceira filha veio em meio a um mistério já que o casal não quis saber o sexo da criança até o dia do parto.
Em participação no gshow, Chay explicou a decisão: “Foi a Laurinha, foi uma ideia dela. Nos outros a gente não soube no parto, a gente soube antes, assim que deu para saber. E nesse ela falou: ‘Vamos saber na hora? Será que a gente aguenta?’. E a gente aguentou! Faltam dez semanas.”
Ao comentar sobre como faz para equilibrar as gravações no Rio de Janeiro com a vida familiar em São Paulo, Chay falou em ‘malabarismo’:
“É um malabarismo, né? Eu venho para cá, eles vão para lá. No período de férias a gente fica junto. Eles vão para lá quando eu estou trabalhando direto… E quando nascer o nenenzinho, licença-paterninade da dona Globo.”
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O músico, que morreu aos 91 anos, foi um dos produtores mais importantes do jazz e do pop. Quincy Jones morreu aos 91 anos no último domingo (3/11)
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“A música é sagrada para mim”, disse Quincy Jones, certa vez. “A melodia é a voz de Deus.”
Ele certamente tinha um toque divino.
Jones, que morreu aos 91 anos, foi o braço direito de Frank Sinatra e Michael Jackson, e ajudou a definir o som do jazz e do pop ao longo de mais de 60 anos.
Suas gravações revolucionaram a música ao misturar gêneros, promover colaborações improváveis e formular técnicas modernas de produção.
A seguir, estão 10 músicas que mostram a versatilidade e brilhantismo de Jones no estúdio, além de sua capacidade de extrair o melhor dos músicos com quem trabalhou.
1) Michael Jackson – Billie Jean
Quincy Jones e Michael Jackson na cerimônia de premiação do Grammy de 1984
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Michael Jackson conheceu Quincy Jones no set de filmagem de O Mágico Inesquecível, de 1978, e pediu a ele para produzir seu próximo álbum. Este disco foi Off The Wall – um álbum espetacular que consagrou Jackson como um astro solo.
Eles se juntaram novamente para o álbum Thriller, de 1982, que, sem dúvida, reformulou o mercado pop. Não só produziu sete singles entre os top 10, como também rompeu barreiras raciais, atraindo igualmente o público negro e branco.
O segredo para o sucesso foi Billie Jean, uma história sombria sobre as tietes que Jackson conheceu quando estava em turnê com seus irmãos. Como produtor, Jones não gostou muito da faixa no início, discutindo com Jackson sobre a longa abertura instrumental.
“Eu disse: ‘Michael, precisamos cortar essa introdução'”, lembrou ele mais tarde.
“Ele disse: ‘Mas é isso que me faz querer dançar.’ E quando Michael Jackson diz: ‘É isso que me faz querer dançar’, então, o resto de nós apenas tem que calar a boca.”
Com essas palavras ressoando em seus ouvidos, Jones manteve o arranjo enxuto e moderno. Ele até instruiu o engenheiro de som Bruce Swedien a criar uma bateria com uma “personalidade sonora” que ninguém havia ouvido antes. O resultado é uma das introduções mais reconhecidas da história do pop.
2) Frank Sinatra – Come Fly With Me (Sinatra at the Sands)
Jones trabalhou em parceria com Frank Sinatra desde o início de sua carreira
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“A amizade era muito forte. Não dá para descrever”, disse Jones sobre sua parceria com Frank Sinatra — que ia muito além do estúdio de gravação.
“Sete Jack Daniels duplos em uma hora… [Sinatra] inventou a festa.”
Depois de terem estabelecido um relacionamento no álbum It Might As Well Be Swing, de 1964, Jones ajudou Sinatra a preparar novos arranjos para suas músicas para uma temporada de quatro semanas no Copa Room do Hotel The Sands, em Las Vegas.
“Foi provavelmente o engajamento mais emocionante que já tive na minha vida, desde que comecei a me apresentar”, lembrou Sinatra mais tarde.
Acompanhado pela Count Basie Orchestra, o astro soa perfeitamente à vontade, cantando clássicos como I’ve Got You Under My Skin, Fly Me To The Moon e You Make Me Feel So Young.
Mas é Come Fly With Me que captura com mais perfeição a vitalidade dos novos arranjos de Jones, especialmente na interação carismática entre Sinatra e os instrumentos de sopro da orquestra.
Não é de se admirar que a música tenha sido escolhida para abrir o show — conforme capturado no premiado álbum ao vivo, Sinatra At The Sands.
3) Lesley Gore – It’s My Party
It’s My Party, na voz de Lesley Gore, chegou ao topo das paradas de sucesso dos Estados Unidos
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Lesley Gore era apenas uma adolescente quando suas demos vocais chegaram às mãos de Quincy Jones no início da década de 1960. Naquele momento, ele estava trabalhando com cantores de jazz como Sinatra e Sarah Vaughan — mas ouviu algo que lhe agradou na fita de Gore.
“Ela tinha uma voz suave, característica e cantava afinada, o que muitos cantores de rock ‘n’ roll não conseguiam fazer, então eu a contratei”, escreveu ele em sua autobiografia.
Para a primeira sessão, Jones escolheu It’s My Party entre uma pilha de 200 demos, e começou a trabalhar. Ele fez uma gravação dupla da voz de Gore, acrescentando pequenos floreios de instrumentos de sopro e mudanças inesperadas de acordes que evocam perfeitamente a angústia adolescente da música.
Ele lançou o single às pressas, após descobrir que Phil Spector tinha planos de gravar a mesma música com a banda The Crystals. A música chegou ao topo das paradas de sucesso dos Estados Unidos e alcançou o nono lugar no Reino Unido.
4) Quincy Jones – Summer In The City
Summer In The City se tornou uma das músicas mais influentes de Jones
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Gravado pela banda The Lovin’ Spoonful, Summer In The City é um clássico do rock dos anos 1960, repleto de acordes sinistros de órgão e batidas potentes de bateria que capturam a sensação pegajosa de uma onda de calor opressiva.
A versão de Quincy Jones, gravada para seu álbum de 1973, You’ve Got It Bad Girl, é quase irreconhecível. De forma indolentemente descontraída, o órgão Hammond é tocado com leveza, assim como a bateria.
A maior parte da letra é suprimida e, quando chega aos 2’30”, é cantada com uma serenidade quase celestial por Valerie Simpson (da dupla Ashford & Simpson).
Originalmente lançada como lado B, ela se tornou uma das músicas mais influentes de Jones. De acordo com o site WhoSampled.com, ela foi sampleada em 87 outras músicas, incluindo faixas de Massive Attack, Eminem, Nightmares on Wax e The Roots.
5) Dinah Washington – Mad About The Boy
Mad About The Boy ganhou nova versão na voz de Dinah Washington
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Este é outro exemplo de como a habilidade de Jones como arranjador pode mudar completamente uma música.
Mad About The Boy foi escrita por Noël Coward para o musical Words and Music, de 1932. Na versão original, era cantada por quatro mulheres diferentes, cada uma expressando seu amor por um astro de cinema não identificado (supostamente Douglas Fairbanks Jr.) enquanto esperavam na fila para assistir a um de seus filmes.
É engraçada, peculiar e inteligente, mas quando Dinah Washington regravou a música em 1961, Jones a desacelerou e mudou o compasso de 4/4 para 6/8, permitindo que a cantora percorresse a letra com uma carnalidade recém-descoberta.
Embora tenha passado despercebida na época, a música ganhou fôlego novo em 1992, quando foi usada como trilha sonora de um anúncio da Levis, e entrou nas paradas de sucesso do Reino Unido pela primeira vez
6) Quincy Jones – Soul Bossa Nova
Jones compôs a música Soul Bossa Nova em 20 minutos
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Escrita em apenas 20 minutos, Soul Bossa Nova foi inspirada no gênero musical brasileiro do início dos anos 1960.
Jones está em seu elemento aqui — com flautas e trombones que capturam a alegria de viver do carnaval. Ele também faz uso proeminente da cuíca, instrumento musical semelhante a um tambor, que soa como um macaco feliz nos compassos iniciais.
Assim como a Bossa Nova foi imortalizada, a música de Jones perdurou, de forma mais memorável na sequência de dança de abertura do filme Austin Powers: Um Agente Nada Discreto.
7) Michael Jackson – Beat It
Michael Jackson no clipe de sucesso de Beat it
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Desde o início, Jones e Jackson planejaram fazer de Thriller um álbum pop de grande sucesso.
“Passamos por 800 músicas para chegar a nove”, disse Jones. “Isso não é casual.”
O trabalho era exaustivo. Em um determinado momento, eles estavam trabalhando em três estúdios simultaneamente… até que os alto-falantes pegaram fogo.
Beat It foi crucial para o projeto — porque foi concebida para que Jackson fosse tocado nas rádios de rock dos EUA, uma perspectiva inédita na indústria musical altamente segregada da década de 1980.
Jones havia dito a Jackson para escrever “uma versão negra” de My Sharona, da banda The Knack — sucesso de 1979 que vendeu mais de 10 milhões de cópias. Mas Jackson estava um passo à frente. Ele tinha uma demo que se encaixava no projeto, embora sem refrão ou letra.
Enquanto Jackson trabalhava nisso, Jones chamou Eddie Van Halen para fazer o solo de guitarra.
“Ele entrou e empilhou suas guitarras Gibson”, lembrou Jones mais tarde.
“Eu disse: ‘Não vou me sentar aqui e tentar te dizer o que tocar… Vamos tentar fazer três ou quatro tomadas. Algumas delas serão superanimadas, outras serão longas, e nós as esculpiremos.”
“E ele tocou para caramba.”
A música, com seu clipe inspirado em West Side Story, foi lançada no momento em que a MTV decolava, fazendo com que Jackson se tornasse uma presença permanente nas salas de casa dos Estados Unidos.
Mas apesar de todo o foco comercial do projeto Thriller, Jones sempre afirmou que a música vinha em primeiro lugar.
“Nunca, jamais, na minha vida, fiz música por dinheiro ou fama — porque é quando Deus sai da sala”, ele disse.
8) The Brothers Johnson – Strawberry Letter #23
Da esquerda para a direita: Louis Johnson, Quincy Jones e George Johnson
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Jones descobriu o guitarrista George Johnson e o baixista Louis Johnson quando os ouviu tocando em uma demo da irmã de Chaka Khan, Taka Boom.
Ele os contratou para tocar na trilha sonora da célebre série de televisão Raízes, colocou-os em sua banda de turnê e dirigiu seu álbum de estreia Look Out For #1, de 1976 (que inclui uma gravação sublime de Come Together, dos Beatles).
Mas os irmãos só ficaram famosos no mainstream em 1977, com o lançamento de Strawberry Letter #23.
Originalmente gravada por Shuggie Otis, a versão de Jones torna a produção mais robusta, com uma linha de baixo marcante e backing vocals crescentes — mas George Johnson teve dificuldades para recriar o solo de guitarra original de Shuggie, que era repleto de tercinas complicadas.
Frustrado, Jones pediu ajuda ao músico Lee Ritenour.
“Quincy estava andando pelo corredor, arrancando os cabelos”, lembrou Ritenour mais tarde. “Ele disse: ‘Estou indo almoçar, Ritenour. Faça isso’.”
Lançada em meio ao boom do punk e da discoteca, a psicodelia romântica da música ainda encontrou um público, alcançando o 13º lugar nas paradas. Mais tarde, ela foi popularizada novamente por Quentin Tarantino no filme Jackie Brown.
9) Sarah Vaughan – Misty
Jones gravou um álbum inteiro com Sarah Vaughan em Paris
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No início de sua carreira, Jones foi um dos arranjadores mais requisitados do jazz, trabalhando com artistas como Frank Sinatra, Ella Fitzgerald e Peggy Lee.
Em 1958, ele gravou um álbum inteiro com Sarah Vaughan em Paris, acompanhado por uma orquestra de 55 integrantes. Entre os destaques, está a balada Misty —, originalmente gravada pelo pianista Erroll Garner e que ficou famosa por Johnny Mathis.
Diferentemente de suas versões melosas e sentimentais, Vaughan e Jones (junto com o produtor Jack Tracy) dão à letra um pouco de compaixão. Ela pode estar “tão desamparada quanto um gatinho em cima de uma árvore” (“as helpless as a kitten up a tree”), mas você nunca fica totalmente convencido de que ela está feliz com a situação.
Jones acrescenta toques sedutores — desde as cordas em cascata quando Vaughan canta “mil violinos começam a tocar” (“a thousand violins begin to play”), até a linha de saxofone lindamente silenciada, tocada por Zoot Sims.
Vaughan morreu de câncer de pulmão em 1990. Em 2019, no dia em que ela completaria 95 anos, Jones publicou um tributo à cantora, usando um apelido carinhoso para ela: Sassy.
“A querida e doce Sassy era toda sofisticação e mudanças de acordes e, cara, estou dizendo a vocês que ela pensava como uma trompa e cantava como uma trompa!”, escreveu ele no Facebook.
“Tivemos uma grande jornada juntos e nunca esquecerei cada momento que passamos, porque cada momento foi especial.”
10) USA For Africa – We Are The World
Dionne Warwick, Stevie Wonder, Quincy Jones, Michael Jackson e Lionel Richie comemorando depois que We Are The World ganhou quatro Grammys em 1986
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“Deixem seus egos na porta”, dizia a placa escrita à mão que Quincy Jones fixou na porta de seu estúdio de gravação em 1985.
A ocasião foi a gravação de We Are The World — um single beneficente repleto de estrelas que tinha como objetivo arrecadar dinheiro para o combate à fome na Etiópia.
Escrita por Lionel Richie e Michael Jackson, a música contou com vocais de Stevie Wonder, Paul Simon, Cyndi Lauper, Bruce Springsteen, Dionne Warwick e Bob Dylan, todos gravados em uma única noite.
Reunir os cantores foi uma enorme dor de cabeça, como revelou o recente documentário da Netflix, A Noite que Mudou o Pop.
Em determinado momento, Stevie Wonder insistiu que algumas das letras deveriam ser reescritas em suaíli, apesar do fato de que a população da Etiópia, que seria a principal beneficiária da campanha de arrecadação de fundos para o combate à fome, fala em grande parte outros idiomas.
Jones supervisionou toda a sessão com a paciência e a sabedoria de um produtor que já havia visto de tudo.
O resultado não é particularmente bom — a música pode ser considerada longa demais —, mas o fato de ser coerente é uma prova de sua habilidade como produtor, arranjador, mentor e árbitro.
No final, a música arrecadou mais de US$ 63 milhões (US$ 227 milhões hoje, valor reajustado pela inflação); e Jones considerou esta uma de suas realizações de maior orgulho.
“Nunca antes ou depois vivenciei a alegria que senti naquela noite trabalhando com este rico e complexo mosaico humano de amor, talento e graça”, escreveu ele em sua autobiografia de 2002.
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